La película, que tristemente ha levantado más expectación por ser el trabajo póstumo de Heath Ledger que por la obra en sí, nos presenta al Doctor Parnassus, que trabaja con su hija (Valentina) y dos empleados en una barraca de feria en la que los visitantes pueden entrar en la imaginación del Doctor y ver sus sueños hechos realidad. Sin embargo no todo es tan bonito como puede parecer: el negocio no funciona nada bien, no siempre es fácil volver de los sueños de la mente del Doctor y, para colmo de males, éste perdió una apuesta con Mr. Nick (que se podría decir que es la antítesis de Parnassus) y debe entregarle a su hija cuando cumpla los dieciséis años. A pesar de todo la situación parece mejorar cuando Mr. Nick le propone una nueva apuesta para recuperar a su hija y rescatan a un hombre a punto de morir ahorcado (Tony) que se propone ayudarles a ganar la apuesta y relanzar el negocio.

Bajo este planteamiento, Gilliam nos ofrece un espectáculo visual sin parangón en el que contrastan la belleza y colorido de las imágenes oníricas de la mente de Parnassus con las de la realidad, muy sobrias y en la mayoría de los casos oscuras y tristes. Si hay algo innegable en este director, y que podemos observar desde sus trabajos en las animaciones de los Monty Python, es que le sobra imaginación para crear universos surrealistas y complejos, y creo que las secuencias fantásticas de esta película son el ejemplo por antonomasia. El problema surge cuando esa complejidad contagia al resto de la obra y ésta se vuelve incomprensible, que es lo que más se ha criticado del film. Sin embargo, y desde mi punto de vista, el argumento no es tan enrevesado como se comenta ni es tan complicado de seguir como pudiera parecer. De hecho, pienso que es un punto a favor de Gilliam que se atreva a darnos un argumento como éste, alejado de la simplicidad hollywoodiense y en el que no todo está masticado, dejando espacio al espectador para que divague y razone por sí mismo.

En lo referente al reparto creo que es necesario destacar algunos nombres: por un lado, el cuarteto formado por Heath Ledger, Johny Depp, Jude Law y Colin Farrel; que encarnan al mismo personaje, Tony. Para el que no lo sepa, tras la muerte de Ledger, que en un principio iba a ser el único actor en el papel, Gilliam decidió que no lo sustituiría por uno si no por tres actores, de modo que cuando Tony entra en la mente de Parnassus su aspecto físico cambia. De este modo pudieron mantener el metraje ya grabado antes del fallecimiento del actor y conseguir un resultado fascinante, pues el juego encaja a la perfección en la película y los cuatro actores están muy acertados en el papel.
Por otro, Lily Cole, la actriz en el papel de Valentina. Si bien poner su interpretación al nivel de los otros actores ya citados sería una desfachatez por mi parte, me atrevería a decir que es de lo que más me ha gustado de la película. ¿Y por qué? Pues porque me enamoró. Su papel de niña ingenua con un toque de femme fatale y su exótica belleza consiguen hechizar a la cámara hasta el punto que desearías que se parara la secuencia sólo para poder mirarla un rato más.

Después de haber escrito todo esto creo que me habréis calado: sí, yo soy de los que admiran a Gilliam, y tal vez por eso no puedo ser del todo objetivo. Que la película no es una obra maestra es un hecho: la ya citada complejidad puede jugar una mala pasada al que no vaya muy despierto al cine (si bien es mucho más sencilla que otros de sus trabajos) y en algunos fragmentos el ritmo se ralentiza más de lo deseado; pero incluso con esas creo que es de las películas que mejor sabor de boca me han dejado este año. ¡No perdáis la oportunidad de verla en cines!

Empecemos por el principio: District 9 es una película dirigida por Neill Blomkamp (al que le dedicaré unas líneas al final) y producida por Peter Jackson, que cuenta cómo una nave alienígena llega a Johanesburgo (Sudáfrica) y la población humana de la zona, recelosa de estos nuevos “vecinos” decide aislarlos en un gueto llamado Dristict 9. En ese gueto los aliens viven en condiciones infrahumanas y mientras tanto las personas muestran distintas posturas ante el tema, desde los que están de acuerdo con el aislamiento hasta los que piensan que todos somos iguales y que se debe luchar pos los derechos de los aliens. Sin embargo, la situación cambiará cuando la MNU (una sociedad similar a la ONU) decide trasladar el Distrito 9 para evitar confrontaciones con la población.

Sin duda lo que más me gustó de la película es el planteamiento hasta este punto, pues la situación de apartheid a la que se somete a los alienígenas se ha dado tantas veces en la historia de la humanidad que resulta preocupantemente verosímil. Se crea así un rico trasfondo social, mostrado de una forma muy original, que a la vez que entretiene sobremanera no deja indiferente a nadie. ¿La lástima? Pues que precisamente esto ya lo habíamos visto en el cortometraje en el que se basa la película, Alive in Joburg,  y lo que esperaba era que el resto de la película resultara igual o más interesante y no me ha parecido así.

La película utiliza dos modos de narración: en un primer momento se sirve del (falso)documental para presentarnos el contexto de la historia y los personajes; y posteriormente se pasa a una narración argumental para contar el resto de la película, si bien siguen intercalándose trozos documentales e incluso en las partes argumentales se da un sabor a “imagen robada” propia del reportaje que dota de gran verosimilitud a la historia. Esta forma de narrar es fresca y muy interesante, sin embargo me pregunto si realmente las partes argumentales eran necesarias. ¿De verdad en un contexto tan fascinante y rico hace falta seguir a un personaje para que la historia cobre sentido? Yo opino que no, y es que además el personaje, desde mi punto de vista, chirría. [SPOILER] ¿En qué momento pasa de ser un verdadero pardillo a ser un piloto experimentado de robots con ganas de gresca? Entiendo que el personaje pueda sufrir un cambio debido a las necesidades que se le crean, pero ese cambio final estaba un poco fuera de lugar, como si simplemente lo hubieran metido porque necesitaban una excusa para grabar unas escenas de acción que, desde mi punto de vista, la película no necesitaba[/SPOILER].

Y no es el protagonista (que, todo hay que decirlo, es un actorazo y su interpretación me pareció genial) lo único que chirría, si no que hay bastantes situaciones que o bien me da la impresión de que no están bien explicadas o directamente no tienen explicación razonable [SPOILER] como el hecho de que la nave se quede “varada” ahí durante tanto tiempo y después un solo alienígena pueda arrancarla, o el hecho de que ese alienígena parezca ser el único con dos dedos de frente de todo el Distrito 9, pues ya me dirás cómo teniendo esas armas dan lugar a que se les trate así. Y hablando de las armas, ¿para qué narices las cambian por comida de gato en vez utilizarlas directamente para conseguirla? [/SPOILER]. Entiendo que es ciencia ficción y que hay que darle algunas concesiones a la historia, pero lo que no puede entenderse es que la película comience con un grado de verosimilitud tan alto para que luego se diluya en peleas de cacharros.

En fin, tal vez al leer esto os dé la impresión de que la película no me ha gustado. Al contrario: creo que es de las películas que más me han gustado este año, sin embargo me decepciona ver cómo una idea tan maravillosa y de la que se podría haber sacado tanto sólo se aprovecha (repito, en mi opinión) a medias. Sin embargo, no puedo despedirme sin resaltar lo que ha conseguido Blomkamp en su opera prima: no sólo ha creado un film de ciencia ficción más que aceptable, si no que lo ha narrado de una forma fresca e innovadora y con un atrevimiento que pocos muestran en su primera película. Chapeau para él y para Jackson por darle una más que merecida oportunidad. Esperaremos con ansia más (y mejor, espero) de este director.

1. DEFINICIÓN
El falso documental es un subgénero cinematográfico que, siendo puramente ficticio, utiliza las estructuras y los recursos del documental para parecer verosímil o incluso real. El género en el que se encuadra es la comedia, y no porque el falso documental tenga que ser necesariamente humorístico, si no más bien porque es una mofa o burla. ¿De qué se mofa? Pues principalmente de dos cuestiones: por un lado, se mofa del documental tradicional, tan anquilosado e inamovible y que tantas siestas nos ha ayudado a echar.  Por otro lado se ríe de la sociedad actual, tan escéptica con los medios de comunicación (y no sin razón).
De este modo el falso documental se construye cogiendo una historia hilarante e imprimiéndole el mayor grado de verosimilitud posible, de modo que su credibilidad se pueda poner en duda y se cree un juego de complicidad con el espectador. Hay falsos documentales tan reales que hay gente que todavía piensa que son reales , como Operación Luna, que sostenía que Kubrick había dirigido el montaje de la llegada a la luna de los americanos.

2. HISTORIA
2.1 Pioneros
Aun sin pretenderlo, los grandes pioneros del falso documental fueron:

-Frederick Cook: Frederick Cook fue un explorador estadounidense que durante toda su vida defendió que llegó al Polo Norte un año antes de que lo consiguiera el que los historiadores consideran que fue el primero que logró tal hazaña, Robert Peary. Para demostrarlo creo una reconstrucción de su supuesto viaje que puede considerarse el primer falso documental de la historia (The Truth About the Pole, 1912).  (Nota: por si tenéis curiosidad, podéis descargarla aquí)

-Orson Welles: Supongo que todos conocerán la historia de lo que ocurrió en Estados Unidos cuando Orson Welles representó, vía radiofónica, un fragmento de La Guerra de los Mundos (en 1938). Más de un millón de radioaficionados creyeron que realmente los alienígenas habían conquistado la tierra y Estados Unidos fue presa del pánico durante las horas posteriores. Welles demostró así el poder de persuasión de los medios y la credibilidad que podía llegar a tener una historia de ficción si se utilizaba correctamente.

2.2 Evolución y actualidad
Si bien hay muchas obras anteriores a los 80 que pueden considerarse falsos documentales, como las obras de Peter Watkins, el falso documental no se consolida como subgénero hasta mediados de esta década. En estas fechas es también cuando se bautiza al género como mockumentary (mock=broma). El término lo utiliza por primera vez Rob Reiner para referirse a su película This Is Spinal Tap, un falso documental sobre una banda de rock al que nos referiremos posteriormente. A partir de este momento empiezan a surgir gran cantidad de obras de este subgénero que si bien nunca han gozado de una gran cantidad de público, en la actualidad está popularizándose gracias a películas más comerciales como Borat y Bruno de Sacha Baron Cohen o la recién estrenada en Estados Unidos District 9 (se estrena en nuestro país este viernes 11 de septiembre), producida por Peter Jackson.

(En la próxima entrega:  “Mockumentaries: clasificación”)

Tras el pequeño “fracaso” de Watchmen, tanto en crítica como en recaudación, Zack Znyder vuelve a la carga con la que será su primera película original (no adaptada de ninguna otra obra, vaya). Todavía no se han visto imágenes ni trailer pero solo con el argumento ya me han entrado ganas de verla, ¡menuda locura! Os dejo una pequeña sinopsis (vía Blogdecine):

Sucker Punch versa sobre una chica a la que su padrastro mete en una institución mental, con la intención de tenerla lobotomizada en unos cinco días. En ese tiempo, ella inventará una realidad paralela en la que se refugiará del dolor y en la que planteará su fuga de dicha institución, para lo cual necesitará robar cinco objetos para salir de allí. Según Snyder, la historia es una especie de Alicia en el País de las Maravillas con armas de fuego, mezclando elementos tan dispares como dragones, bombarderos B-52 y burdeles (OMG). La música tendrá un peso muy importante.

Por si fuera poco, todo el reparto principal está compuesto únicamente por jovenzuelas, entre ellas Vanessa Hudgens, chica Disney hasta la fecha, que pasará de ser una bailarina de High School Musical a una prostituta ligera de ropa.

Y si con esto no os han entrado ganas de verla es porque no estáis tan mal de la cabeza como yo.

#4 DISTRICT 9 (2009)

Hay algunos proyectos que resultan interesantes no sólo por la película si no también por todo lo que la rodea, y creo que District 9 es el paradigma. Todo empezó en la Comic Con del año 2008,  donde las paredes se llenaron de carteles advirtiendo que ciertas zonas del recinto eran sólo para humanos. A partir de ahí se empezó a crear un tremendo hype alrededor de la película mediante la web oficial, donde piden que te identifiques como humano o como no-humano y que según lo que elijas proporciona una interfaz diferente o webs satélite como MNU, cargada de propaganda anti-alien y en la que nos invitan a unirnos a su cuerpo de seguridad privado. Por otro lado, un supuesto empleado anónimo de la MNU crea un blog llamando MNU Spreads Lies en el que denuncia las injusticias y atrocidades que comete ésta asociación y promueve la igualdad entre aliens y humanos.

Con todo esto creo que ya podéis imaginar un poco de qué trata el film, pero por si acaso concretaremos un poco más: Una nave alienígena llega a Sudáfrica y la población humana de la zona, recelosa de estos nuevos “vecinos” decide aislarlos en un gueto llamado Dristic 9. En ese gueto los aliens viven en condiciones infrahumanas y mientras tanto las personas muestra distintas posturas sobre el tema, desde los que están de acuerdo con el aislamiento hasta los que piensan que todos somos iguales. Sin embargo, la situación cambiará cuando estalle una revolución en District 9.

La película, con sabor a mockumentary (falso documental) estará dirigida por Neill Blomkamp, maestro de los efectos especiales que ha estado detrás de proyectos tan dispares como Smallville, Stargate SG-1, cortometrajes como Alive in Joburg (en el que se inspira la película) o el anuncio de Peugeot del coche que se transforma en un robot. Es la primera vez que Blomkamp se enfrenta a un largometraje, pero contará con el apoyo de Peter Jackson, productor de la película.

Y por si todavía no os han entrado ganas de verla os dejo un tráiler que quita el hipo.

#3 THE HOBBIT (2011)

El Hobbit  es una de las películas más esperadas por todos los fans de la fantasía y, en concreto, de El Señor de los Anillos (que no son pocos, no). El proyecto está dando mil vueltas y ha amenazado con pararse varias veces, la última hace solo unos días cuando Christopher Tolkien, hijo del escrito, demandó a los productores de la película y exigió la friolera de 220 millones de dólares. Sin embargo, leíamos hoy en Zonafandom que las obras en Hobbiton prosiguen, por tanto de momento el proyecto no se detiene.

Para el que no siga el proyecto de cerca, es necesario comentar que no será una película si no dos en las que se intercalará la historia de El Hobbit con otras de El Silmarillión y los Apéndices de El Señor de los Anillos que ocurren de forma más o menos simultánea. No se ha indicado qué momento se utilizará como bisagra para escindir las dos películas pero cabe esperar que sea tras la muerte de Smaug.

A la batuta del proyecto se encuentra Guillermo del Toro, tutelado por Peter Jackson, productor de la película.

La película se encuentra en estos momentos en fase de preproducción y no la tendremos en cine hasta 2011 como muy pronto. A Esperar toca.

#2 INGLOURIOUS BASTERDS (2009)

Hay gente que dice que a Quentin Tarantino o se le odia o se le ama. Yo soy de los que estaría clarísimamente en el segundo grupo y tal vez por eso esté desde hace meses mordiéndome las uñas de ganas de ver esta película.

El nuevo proyecto del enfant terrible del cine norteamericano está ambientada en la Francia ocupada por los nazis en la IIGM, y trata sobre un grupo de soldados de la resistencia que intentarán hacer retroceder al enemigo mediante el terror, asesinándolos y torturándolos de maneras crueles y macabras. Y por si no queda claro el concepto, aquí os dejo el tráiler.
Como habéis podido comprobar la estrella del reparto es el polifacético Brad Pitt, al cual estoy deseando ver en acción. El estreno mundial de la película será el 21 de agosto, sin embargo no soy demasiado optimista con lo de que “mundial” incluya a España… en menos de un mes veremos si hay suerte.

#1 AVATAR (2009)

Más de diez años han pasado desde que James Cameron estrenó su última película hasta la fecha, Titanic. Con esta película Cameron se montó en el dólar (recordemos que ha sido la película con más recaudación de la historia del cine) y, sin embargo no se aventuró a la primera de cambio con otra película. ¿Por qué? Según él mismo afirmó, no quería volver a rodar hasta no estar seguro de realizar otra obra maestra.

Si lo ha conseguido o no con Avatar es todavía una incógnita para casi todos los mortales, sin embargo los privilegiados que pudieron asistir a un pase de poco más de veinte minutos de metraje del film fueron unánimes. Lo es y con creces. Algunas de las frases que esas personas nos han dejado sobre lo que han visto son: “una experiencia que hará que se te desencaje la mandíbula”, “hasta ahora el 3D había sido utilizado como un simple artificio”, “Me dejó sin respiración. Pensaba que lo había visto todo con Gollum o Hulk pero Cameron lo ha vuelto a hacer. Estas criaturas son tan realistas que en cuestión de minutos olvidarás que estás viendo un personaje digital enorme y azul. Incluso los ojos son totalmente convincentes. Los personajes tienen alma. (…) ¿Como diablos es posible que en ningún momento sientas que estás viendo una película donde prácticamente todo ha salido de un ordenador? (…) Los efectos juegan en su propia liga. Después de todas esas películas en 3D decepcionantes e inútiles, Avatar puede que sea la primera en la que el 3D está utilizado adecuadamente” “impresionante, sencillamente brutal. Visualmente no se parece a nada que hallamos visto antes, tiene un detalle increíble. (…) Creed el hype, ¡esta película va a ser enorme! (…) Cameron le dijo a la audiencia que se necesitan entre 30 y 50 horas de render para cada fotograma de la película, el doble de lo normal.”(via Zonafandom)

La película trata sobre un soldado herido que es enviado a Pandora, un lejano planeta donde se verá envuelto en una guerra entre fuerzas alienígenas en un planeta lleno de exóticas formas de vida.

De momento no hay tráiler, pero os dejo unos fotogramas para ir preparando el cuerpo. El 18 de diciembre saldremos de dudas sobre si todo el hype generado está justificado o no. Yo apuesto porque sí.

#10 SURROGATES (2009)

A la cola de las diez pelis que más ganas tengo de ver está Surrogates, basada en la novela gráfica del mismo nombre de Robert Venditti y Brett Weldele. La historia transcurre en un futuro en el que las personas viven aisladas en sus casas y hacen sus vida a través de robots sustitutos que tienen mejores cualidades físicas que los originales. El problema surge cuando comienzan a producirse asesinatos de estos sustitutos y de sus respectivos dueños y un inspector de policía tenga que volver al mundo ¿real? Para intentar resolver el caso.

Un punto a favor del film, en mi opinión, es que el inspector está interpretado por Bruce Willis. Sin embargo, tiene uno negativo que me hace tener dudas, muchas dudas. Y es que está dirigida por Jonathan Mostow, el autor de ese aborto cinematográfico titulado Terminador 3. Sin embargo el tráiler me ha dejado buen sabor de boca, juzguen ustedes:
Surrogates trailer.

#9 9 (2009)

Pues sí, amigos de lo evidente, el puesto número nueve es para… ¡9! Esta película de animación con un nombre tan singular es la “versión extendida” del cortometraje homónimo de Shane Acker.

La película, si me he enterado bien de lo que he logrado traducir de otras páginas, trata sobre un mundo apocalíptico atacado por monstruos que roban las almas de los habitantes de este planeta, que no son ni más ni menos que singulares muñecos de trapo. En este mundo hay nueve guardianes que tendrán que defender a la población de esos indeseables monstruos y que intentarán salvar el mundo.

La producción corre a cargo de Tim Burton y los carteles y escenas que se han visto hasta ahora son bastante espectaculares. Os dejo una escena de la peli, un trailer y un par de carteles (aunque si buscáis hay bastante material dando vueltas por la red). ¿Adivináis cuando se estrena la película? Fácil: el 9-9-09 (En EE.UU, claro. Aquí… a saber).

9, escena “Under Attack”
9, tease trailer

#8 KICK-ASS (2009)
Y aquí va otra adaptación del mundo del comic (no, creo que es evidente que el gremio de los guionistas no está en su punto álgido), en este caso uno de la Marvel que por desgracia todavía no ha llegado a nuestro país.

La historia cuenta las peripecias de un adolescente que, para evadirse de la vida real e inspirado en los comics de superhéroes, decide convertirse en uno de ellos. Lo gracioso del asunto es que, a diferencia de los héroes de cómic, él no tiene ningún superpoder ni ninguna habilidad que se precie. Para poner la guinda al asunto, en su lucha contra la mafia se unirá a un inspector de la policía, interpretado por Nicolas Cage (eso es malo), y su hija, a la que ha entrenado desde niña para que sea una máquina de matar (eso es bueno). Además, la primera clasificación del film ya ha sido No Recomendada a Menores, así que promete violencia. Os dejo unas imágenes para abrir boca porque de momento no hay tráiler:

#7 HEAVY METAL (2012)

El hecho de que ponga esta película aquí es curioso porque no sé NADA de su hilo argumental, sin embargo su elenco de directores y la estructuración de la peli ya hace que me entren ganas de verla, os cuento:

Para el que no lo sepa Heavy Metal es una revista de cómics de ciencia ficción en el que en cada número hay diversas historias de distintos autores que tienen como punto común un alto nivel de violencia y erotismo. Pues la peli va a ser eso, distintas historietas de ciencia ficción, erotismo y violencia dirigidas por varios directores. De momento, el equipo con el que cuenta el proyecto es (tomad aire): David Fincher, James Cameron, Jack Black, Mark Osborne y Gore Verbinsky. ¡Ahí es nada! Lo malo es que nos quedan tres años de espera para disfrutarla, paciencia…

#6 ALICE IN WONDERLAND (2010)

La obra más conocida de Lewis Carrol es el nuevo proyecto en el que se ha enfrascado Tim Burton, y en él contará con sus dos actores fetiches: Johny Depp, en el papel de Sombrerero Loco, y Helena Bonham Carter, como la Reina de Corazones. Desde mi punto de vista el proyecto le viene a Burton como anillo al dedo, pues todos conocemos sus habilidades en el plano estético y sin duda esta obra está cargada de una gran plasticidad que confío en que el director sepa aprovechar. De momento, y a falta de trailer, aquí unas impresionantes imágenes de la película, disfrutadlas:

Lo que más me ha llamado la atención ha sido uno de los modos de financiación de la película, llamado crowfunding: todos podemos ser productores de la película  por dos euros (o más, si se desea). Todo el que se haga inversor recibirá un “welcome pack”  con una chapa de la película, pegatinas y un certificado firmado y sellado que te acredita como director y entra en el sorteo de un traje espacial de los que se utiliza en la grabación del film. Además tendrás el honor de aparecer en los créditos de la película. Si esto te parece poco y, además eres emprendedor, puedes hacerte inversor del proyecto por 1000 euros, y participar así de los beneficios de la película. Además, tienen una tienda online muy chula y todo el dinero que gastas lo aportas también para la producción.
Éste sistema me recuerda en parte al utilizado por el Partido Comunista Francés en el periodo de entreguerras para la producción de largometrajes, en el que antes de empezar la producción se creaban participaciones a modo de sociedad anónima (por dos francos, curioso paralelismo) y luego esas participaciones daban derecho a asistir al estreno de la película. También usan un sistema parecido artistas como Swanfyahbwoy , que permite comprar el disco antes de su producción para poder crearlo así de forma independiente y, una vez editado, te lo manda por correo en una edición especial.
Pero bueno, sigamos hablando de la película…

El argumento es el siguiente:
El Cosmonauta es una historia que habla sobre el recuerdo.
Incluso sobre aquellos recuerdos que nunca existieron.
Octubre de 1975. Stan se prepara para ser el primer cosmonauta ruso en la Luna.
Andrei, su amigo desde la infancia, dirige la misión.
En los tensos días antes de la partida, Stan piensa en Yulia, la mujer de Andrei. Y ella en él, mientras ultiman los detalles de la misión. Están unidos desde hace años en un doloroso silencio. Apenas dos días después de despegar, la nave pierde toda comunicación con la Tierra. Durante siete meses, Andrei lo busca día y noche.
Sin resultado.
Un día, la nave vuelve a la Tierra. Cuando cae, no hay rastro del cosmonauta.
El desconcierto aumenta cuando comienzan una serie de transmisiones de radio: Stan habla desde un lugar desconocido. Dice haber vuelto a la Tierra, y haberla encontrado vacía. Los delirios de Stan, prisionero en un mundo imposible, van provocando trágicos cambios en la relación de Andrei y Yulia. Mientras ella no puede despegarse de la radio, en la que el cosmonauta habla continuamente de imaginarios paraísos donde comparte con ella la vida que soñaba, Andrei se convierte en un extraño en su propia casa, habitada por la voz fantasmal de un antiguo amigo declarado muerto hace meses.
Poco a poco, se va configurando un extraño y peligroso triángulo.
Finalmente, se produce el reencuentro.

(Podéis leer el borrador del guion aquí, aunque yo personalmente prefiero esperarme a descubrirlo en la película)

A mí personalmente el punto de partida me ha encantado, me parece muy original, mágico. Además utiliza una forma barata y sencilla de hacer ciencia ficción, similar a la que hacía Vigalondo en Los Cronocrímenes (¿Por qué hacer una película de viajes en el tiempo donde se viaje a épocas distintas pudiendo viajar una o dos horas en el tiempo sólamente?) , haciendo una historia inquietante de viajes espaciales pero contada desde la tierra, reduciendo así de forma significativa los gastos de producción. Además, ¿puede haber algo más molón que una peli de comunistas y viajes en el espacio? Difícilmente xD (Bueno, tal vez una de nazis-comunistas y viajes en el espacio, pero eso lo dejamos para otro día).

El equipo:
Como dijimos al principio, la película es una iniciativa de Riot Cinema Collective, y su núcleo duro está a la cabeza del proyecto. El encargado de la dirección y el guión es Nicolás Alcalá, colaborador habitual del director argentino Eduardo Milewicz y el coach actoral Bob McAndrew. También ha escrito varios guiones de largometraje, entre ellos, “Noches Transarmónicas”, con Velasco Broca y Nacho Vigalondo. La segunda al mando es Carola Rodríguez, que se encarga de la producción, y Bruno Teixidor que dirijirá al equipo creativo.
(Podéis conocer a los demás miembros del equipo pinchando aquí)
Yo personalmente no conozco a ningún miembro del equipo pero eso realmente me alegra. Que el cine español necesita sangre nueva es un hecho, y si están interesados en la ciencia ficción, mejor todavía. Habrá que seguir de cerca la trayectoria de estos muchachos tan emprendedores.

El cine, de todos y para todos:
Una vez finalizada la película se estrenará de forma totalmente gratuita vía internet en formato HD. Además, todos los elementos de la películas funcionarán bajo Creative Commons, de modo que puedes desde distribuirla a tu antojo, modificarla, utilizar su banda sonora…
Creo que es una forma muy democrática de hacer cine y de hacerlo llegar a la gente. Si bien considero que la mejor forma de disfrutar una película es en la pantalla grande, creo que no está de más que salgan películas así, pues con el precio de los cines uno no puede permitirse ver todas las pelis que desearía en una sala de cine.

Por último, os dejo la web del proyecto que espero que termine de animaros a participar, yo ya soy productor.

La semana pasada fui a ver Good como podría haber visto cualquier otra peli de la cartelera, porque la verdad es que el panorama actual en el cine está bastante flojillo… ninguna película me llamaba especialmente la atención salvo Ponyo en el Acantilado, que, evidentemente, tenía horarios infantiles bastante tristes (el último pase era a las 20:00, no comments). Al final nos decidimos por Good porque al menos sale Viggo Mortensen, que te asegura que vas a ver una interpretación, como poco, aceptable. Además de que si una peli que se llama “Good” resulta ser mala es para matar al que le haya puesto el título…

Bromas aparte, fui al cine totalmente “virgen”, no había oído nada de la película: ni bueno, ni malo, ni de qué trataba… y la verdad es que me llevé una grata sorpresa. La película gira sobre la vida de John Halder (Viggo Mortensen), un profesor de universidad en la Alemania de los años 30 que es convocado a las oficinas de propaganda y censura del régimen porque a los altos cargos nazis  (Fuhrer incluído) les ha llamado la atención un libro que escribió tiempo atrás, que trataba sobre la eutanasia (para ser más concretos, sobre un hombre que mata a su mujer enferma porque la ama). El partido nazi le pide su afiliación (que hasta ahora había evitado) para que se una al cuerpo intelectual del partido y que escriba un ensayo sobre el tema que trata su novela. Puesto que sólo tendría que colaborar con el régimen de forma pasiva y este puesto le supondría una gran oportunidad de progresar en su vida profesional, acepta.

Tal vez lo que más me ha llamado la atención de la película y lo que pienso que más hace reflexionar es el ver como un hombre que desde el primer momento nos parece una buena persona, va tomando todas estas decisiones de una forma totalmente coherente y cómo, tras su afiliación al régimen y otras lindezas, sigue pareciéndonos que actúa de forma sensata y sigue siendo, como el nombre de la peli indica, un hombre “bueno”.
Difícilmente el film conseguiría que todos estos cambios se vieran de una forma tan razonable y coherente  si no fueran acompañados de unas grandes interpretaciones, a destacar la de Viggo Mortensen (cómo no, qué grande es este hombre y qué lástima que haya anunciado que se retira del mundo de la gran pantalla) en el papel de Halder; Jason Isaacs, que interpreta a Maurice, amigo de Halder; y Gemma Jones ,  madre de Halder.

Otro punto de la película que se me ha marcado a fuego son los últimos cinco minutos: parece que toda la frescura que le falta al resto del film (con una dirección y una fotografía basantante normalita tirando a vulgar) se han invertido en el final, que no voy a revelar pero que me puso los pelos de punta en todos los sentidos (argumental, visual, sonoro… una pasada, en mi opinión).

Es, resumiendo, una de esas películas que disfrutas tanto cuando estás delante de la pantalla como cuando se encienden las luces y te levantas de la butaca, pues da para pensar  mientras la ves y a posteriori, una vez que has terminado el visionado. A mí me removió bastante por dentro y pienso que toda película que consigue eso vale la pena.

“He descubierto que existe una forma de que me guste madrugar, y es haciendo una película.”

P.C.
Hay en nuestro país una generación emergente de directores de cine que están consiguiendo una fama inusitada en el extranjero y están atrayendo a un público al que el cine patrio no había llegado hasta ahora. Entre ellos, hay uno de lo más polifacético: Blogger, actor, cantante, publicista, guionista, director… Esta navaja suiza de los medios audiovisuales se llama Nacho Vigalondo, y estuvo nominado a los Óscar con su corto 7:35. Ahora, este director cántabro está dando mucho que hablar en los círculos cinéfilos de todo el globo con su primer largometraje, Los Cronocrímenes, que acaba de salir en DVD.

Los Cronocrímenes ha sido su ópera prima. ¿Cómo ha sido la primera experiencia en el mundo del largometraje?

Por un lado ha sido todo lo agónica, terrible, y difícil que puedes esperar en un momento dado, pero por encima de todo es tu primera experiencia. Has pasado toda tu vida soñando con hacer cine y de repente haces una película, y eso está por encima de todo.

En el making of se le veía pletórico, incluso cuando reconocía que el café era lo único que le mantenía ya despierto.

Además, rodando una película he descubierto que existe una forma de que me guste madrugar, y es haciendo una película. Madrugar es algo que detesto, siempre me ha parecido una práctica muy nociva, y las semanas que estuve rodando… ¡me encantó madrugar!

Una de las cosas que más se ha valorado de la película es el guión. ¿Cómo surgió la idea?

De mi interés por la ciencia ficción, los viajes en el tiempo, cierto tipo de mecánicas y recursos y, en última instancia, por el amor que acabé sintiendo por una historia de tantas que tenía en el cajón.

En España la película tuvo muchos problemas de distribución a la hora de estrenarse en cines ¿Qué ocurrió exactamente?

Bueno, las películas que tienen problemas de distribución reales son las que no se estrenan, con lo cual no me puedo quejar. Pero, respondiendo de un modo más preciso, la película se hizo sin ningún contrato previo, con lo cual, una vez que estuvo acabada la, las distribuidoras no quisieron implicarse. Realmente lo normal es que las películas que se ruedan sin una distribuidora de por medio no se estrenen.

Boris Vian fue un escritor francés al que le compraron los derechos de uno de sus libros para adaptarlo al cine. Cuando fue al preestreno de la película, murió de un ataque al corazón. Ahora Hollywood prepara un remake de Los Cronocrímenes ¿Teme que le pase algo parecido?

(Risas) De todas las facetas de la vida de Boris Vian que me encantaría imitar, creo que morirme joven es la última. No, ya he leído el guión y es muy parecido, y aunque no quiero pecar de modesto, me da la impresión de que está mejor. Es como una versión revisada del mío, como cuando recibes un examen corregido con apuntes en rojo: “esto está regular”, “esto debería ser así”…

Un remake de su película, premios en EE. UU., Francia, Italia, Japón… y luego en los Goya se queda con las manos vacías. ¿No se sintió decepcionado?

Estuve nominado, creo que estar ahí ya es alucinante, piensa que tendría sentido decepcionarse si mi película hubiera seguido alguno de los cánones que tienen las películas que podemos llamar goyarizables, pero la película va en un sentido totalmente distinto, eso se ve de lejos. Para mí estar nominado ha sido como un pequeño accidente, como en su momento lo fue estar en los Óscar. Un accidente maravilloso, bienvenido sea.

Como bien ha dicho, la película va en un sentido distinto al que va el cine español en general. ¿Qué opina de la situación actual de nuestro cine?

Cine español es un concepto que a día de hoy sigue teniendo un concepto peyorativo. De hecho cuando un director brilla por sí mismo y se desmarca deja de ser cine español. Cine español es eso que no es ni Amenábar, ni Almodóvar… es algo grisáceo y uniforme que es más bien un género, o al menos lo tratan como tal. Creo que mientras no se quite este estigma de encima va a existir esa etiqueta que no resulta cómoda a nadie.

“No puedo decir muchas cosas con la frente alta pero una de ellas es que empecé en esto sin pretensiones de hacerme famoso o millonario.”

Ya desde muy joven se interesó por los medios audiovisuales, de hecho comenzó a estudiar Comunicación Audiovisual y posteriormente trabajó en publicidad y televisión. ¿De dónde viene ese interés?

El interés no nace con los estudios sino que si te interesa este mundillo te interesa desde mucho antes, incluso de forma inconsciente. Las primeras experiencias con una cámara no eran más que juegos, lo que hacía era grabar sandeces con un colega. Es con el paso del tiempo con lo que te das cuenta de que esas sandeces eran realmente el inicio de algo. No puedo decir muchas cosas con la frente alta, pero una de ellas es que empecé en esto de un modo inocente, sin pretensiones de hacerme famoso ni millonario.

Una constante en todos sus proyectos hasta la fecha es la economía de recursos. Un buen ejemplo es Código 7, donde elabora un cortometraje de ciencia ficción en la cocina de una casa corriente. ¿Lo considera una seña de identidad o es puramente circunstancial?

Yo juro y perjuro que todos los proyectos que tengo más o menos definidos son de películas muy baratas. Sí, tal vez sea una estrategia porque los recursos tienden a ser pobres a día de hoy en el audiovisual moderno, pero por otro lado me gusta la complicidad que se establece con el espectador cuando estás haciendo un truco de magia con una baraja de cartas únicamente en vez de con la Torre Eiffel y un mono gigante. De todos modos, no creo que sea bueno trabajar teniendo un control constante de tus señas de identidad.

El último proyecto que ha realizado ha sido un spot musical para la campaña “Que nada te quite el sueño”, de Pikolín. Ya utilizó el musical en su corto nominado a los Óscar, 7:35, y además en ambos es el protagonista. ¿Le atrae especialmente este formato? ¿Se atrevería con él en un largometraje?

Pensaba que después de 7:35 no iba a volver a hacer un musical, pero después de la experiencia del spot de Pikolín reconozco que me he quedado con el impulso de hacer más música, incluso de cantar y bailar más. He acabado muy contento.

Su próximo largometraje se titulará La Rampa. ¿Puede adelantarnos algo?

Está el guión acabado, es un guión on-spec, es decir, que haces por tu cuenta, nadie lo desarrolla contigo y eres completamente libre con él entre tus manos: puedes mostrárselo a quien quieras y puedes recibir bendiciones de quien quieras. Y ahí está, lo estoy enseñando, no sé qué pasará al final.

Es blogger desde el 2004 y actualmente tiene un blog en Elpais.es. ¿Qué tal la experiencia en la blogosfera?

Bien, me encanta. No tengo la constancia que tienen otros bloggers pero sí que de vez en cuando tengo el impulso de escribir algo. Aparte es muy buen entrenamiento escribir más allá de las imposiciones que te da el formato del guión cinematográfico, porque en un guión tienes que ser muy preciso, muy seco, muy explicativo… y de vez en cuando te apetece desbarrar un poco, ser un poco más abstracto y ser un poco más lírico, y un blog te ayuda a esto.

El blog es un medio abierto donde todo el mundo puede expresar su opinión. ¿Hasta qué punto le afectan los comentarios?

Los que realmente me impactaron fueron los cincuenta primeros, a partir de ahí uno se satura un poco y ni los muy buenos ni los muy malos llegan a tener el efecto nocivo que sí tuvieron en su momento, cuando era más sensible y un comentario positivo me hacía creerme un superhombre y uno negativo me hacía derrumbarme. Ahora ya no me pasa.

El que haya leído Watchmen recordará ese “metacomic” que leía un chaval titulado Relatos del navío negro y que iba desarrollándose de forma paralela a la historia principal. Pues bien, este cómic también fue adaptado como un cortometraje de animación para ser incluído en el dvd de Watchmen. Sin embargo ya ha aparecido por internet con una calidad tremenda y en nuestro idioma, así que os lo dejo por aquí para que lo disfrutéis (no hace falta haber visto/leído Watchmen para verlo, es totalmente independiente):

Relatos del Navio Negro [DD].

Relatos del Navio Negro [Online].

A mí personalmente me ha gustado mucho, creo que es la parte del cómic que mejor han adaptado y, además, no se han cortado para nada con el gore de la historia (es bastante dura). Argumentalmente no es una pasada pero hay que entender que dentro de Watchmen esta concebida como la típica historieta barata de quiosquillo, y hasta con esas me gusta.
Disfrutadlo y espero vuestras opiniones.

¡Ah! Y muchas gracias al Sr. Nublado por los links.

PD.  Por cierto, fijaos en el guiño a Rorschach en la vela de la balsa, muy bueno.

Hoy he tenido la suerte de asistir al preestreno de Siete Almas, la nueva película de Gabriele Muccino protagonizada (de nuevo) por Will Smith; y a un posterior coloquio con actor y director.  Antes de comenzar la reseña quería señalar lo triste que me parece que el 90% del aforo (completo, por cierto) del recinto estuviera ocupado por gente a la que la película le importaba bien poco y sólo estaban ahí para ver al protagonista de El Principe de Bel-Air. Como esa gente sean los nuevos cineastas y críticos de cine… apañados vamos.

Ya centrándonos en el film, Siete Almas cuenta la historia de Ben Thomas, un miembro del IRS (algo así como Hacienda en España, deduzco) que pretende ayudar a siete personas para poder así redimirse de su fatídico (y secreto) pasado.
Ha sido la primera película que veo de Muccino, pero por lo que han comentado en el coloquio, es un genio del ritmo. El de esta película a mí me parece admirable: a pesar de ser larga (123 min.) y algo lenta en la narración, mantiene al espectador enganchado de principio a fin, revelando con cuentagotas la intriga de la trama y dejando para el final un crecendo que a mí, personalmente, me ha dejado sin palabras.
Sin embargo, tal vez esa forma tímida de ir revelando detalles de la historia sea (o al menos así lo veo yo) el principal talón de Aquiles de la obra, ya que guarda con tanto mimo la información que tal vez los últimos diez minutos contengan demasiada, que al soltarse tan golpe, aunque bien hilada, puede dejar un tanto escéptico al espectador.
La interpretación de Will Smith es bastante aceptable, y para ser un papel tan dramático, sabe lidiar con él de forma bastante digna.

En resumen, una buena película que impacta y no deja indiferente. Podéis disfrutarla a partir de este viernes en nuestros cines.